Izis, Paris des rêves

de Sabine Gignioux, publié dans La croix du 10 février 2010.

Une exposition à Paris réhabilite l’œuvre d’Izis, le moins connu des photographes humanistes, ami des dormeurs et des poètes.

A quoi rêvent tous ces dormeurs photographiés par Izis ? Dans quel pays lointain, quel ailleurs fabuleux se sont-ils évadés, ces vagabonds couchés sur le pavé, avec pour tout manteau un lit de feuilles mortes ? Nul ne sait.

Mais les photos sont là pour nous entraîner dans ce monde, au-delà du réel. Chez Izis, chaque image recèle un petit brin de mystère : un détail, une anomalie, parfois cocasse, parfois tragique, un instant de poésie capté par cet œil hors pair, comme une grâce venue transcender la noirceur quotidienne.

La vie précaire fut longtemps le lot de cet exilé lituanien, à l’image de ce pinson photographié dans une minuscule cage, accrochée en déséquilibre à une fenêtre, dans un surplomb vertigineux. Arrivé à Paris en 1930, à 19 ans à peine, avec son édredon en plumes, 7 francs en poche, cet apprenti photographe connaît l’asile de nuit et la galère du travail au noir, payé au lance-pierres. Izis se raconte Issu d’une famille très pauvre, il ne parle alors que yiddish et hébreu. Quand, après trois ans, il décroche enfin un emploi chez Arnal, un studio réputé pour ses portraits d’acteurs, il croit tenir son rêve. Et fait venir son frère et sa sœur qui lui manquent. Mais au bout d’un an, le voilà licencié. Embauché au studio Rabkine, il épouse la fille du patron, devient papa d’un petit Manuel quand la guerre éclate…

Influencé par Brassaï

La famille se réfugiera près de Limoges où Izis, alias Izraelis Bidermanas, adopte ce pseudonyme qui deviendra son nom d’artiste. Le voilà de nouveau travailleur clandestin, retoucheur pour les photographes d’Ambazac, ce village où des habitants le cachent. Quand soudain la Libération vient sonner son émancipation artistique. Très impressionné par les figures de maquisards, il s’autorise pour la première fois à les photographier tels qu’il les voit, « sans se préoccuper de l’amour-propre des modèles ».

Ces tirages vintage, montrés avec un certain retentissement dès 1944, ouvrent l’exposition que la Mairie de Paris consacre aujourd’hui à Izis. Les visages mal rasés, l’arme contre la joue et le mégot au bec, ce regard adolescent que vient ombrer un casque, cet autre qui nous fixe avec une lueur noire, ont une poésie brute qui va devenir la marque du photographe, malgré certaines poses encore empreintes de l’esthétique Harcourt

Un œil est né qui, influencé par Brassaï, va s’ouvrir désormais sur tout ce qui l’entoure. À commencer par Paris, la Ville lumière retrouvée, encore meurtrie, fragile, mais où la vie refleurit, à l’instar de cette petite fille, photographiée en 1948, dont le front, collé sur une vitre, dessine une bulle solaire.

Guidé par ses amis limousins, le poète Georges-Emmanuel Clancier et l’écrivain-éditeur René Rougerie, Izis rencontre nombre d’artistes et poètes qu’il capte dans son objectif, comme Prévert devenu son ami au fil de pérégrinations communes à Paris, puis à Londres. Ce dernier participe avec Ponge, Eluard, Cendrars, Cocteau et quarante autres écrivains au livre Paris des rêves édité par Izis en 1950, où chaque photo est prolongée par un texte ou un poème autographe, dans un jeu d’échos infinis.

Sur le Tour de France sans ramener aucune photo du gagnant

Ce qui lui vaut, dès 1951, de faire partie des « Five french photographers » consacrés par le prestigieux Museum of Modern Art de New York aux côtés de Brassaï, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau et Willy Ronis, toute la bande de ce que l’on allait appeler la « photographie humaniste ».

Pourquoi des cinq Izis est-il resté le seul aujourd’hui méconnu du grand public ? Armelle Canitrot, chef du service photo de La Croix et commissaire de cette exposition avec Manuel Bidermanas, le fils de l’artiste, avance deux explications D’abord, la discrétion de l’artiste, trop tôt disparu à 69 ans, aussi timide pour se mettre en avant que pour aborder dans la rue ses modèles. Ensuite, le fait qu’il fut salarié pendant vingt ans à Paris Match, ce qui, contrairement à son ami Willy Ronis, « ne lui imposait pas de chercher à se faire connaître pour gagner sa vie ».

Dès 1949, fuyant la routine du studio, Izis parvint à se faire embaucher par ce nouveau magazine qui se voulait l’équivalent du Life américain. Il y restera jusqu’à sa retraite, totalement singulier dans le monde des photo-reporters, capable par exemple de partir sur le Tour de France sans ramener aucune photo du gagnant.

« Izis la foule »

Champion du regard décalé, des « à-côtés », il y gagne un joli surnom, « Izis la foule ». Au couronnement de la reine d’Angleterre, il photographie des « dormeurs » (encore) et des scènes surréalistes où sa Majesté trône en poster dans la vitrine d’un charcutier au milieu des oies déplumées. Sa sensibilité fait aussi merveille dans les portraits d’artistes, tel Roland Petit mimant avec les doigts ses danseuses, Léautaud en spectre éclairé d’une bougie, ou Colette avec laquelle il publie un Paradis terrestre, en 1952, empli de mélancolie. Chagall, dont il partage les racines juives orientales et l’amour de la peinture qu’il pratique en amateur, lui accordera même l’exclusivité des photos sur la réalisation du plafond de l’Opéra de Paris !

Envoyé plusieurs fois en reportage en Israël, Izis confiera y avoir trouvé enfin sa terre promise, livrant dans un nouvel ouvrage des clichés nourris de réminiscences bibliques. Car cet éternel exilé, ayant perdu ses parents dans le génocide nazi, gardait au cœur une insondable plaie.

Celle-là même qui bouleverse aujourd’hui dans ses photographies dédiées au monde du cirque. Cet univers de rêves, cachant une vie d’errances et de misère, détenait son secret. Ce clown guettant l’entrée en scène, une valise à la main, désespérément seul : nul doute que c’était lui

Sabine GIGNOUX

Exposition gratuite . 5 rue Lobau, Paris 4e. Jusqu’au 29 mai, tous les jours de 10 heures à 19 heures sauf le dimanche et jours féries. À Nantes, Lyon Bellecour et Paris Montparnasse, la Fnac présente aussi des photos inédites d’Izis en Provence, du 20 janvier au 6 mars.

Photo : Dans l'exposition "Izis" (1911-1980) à la Mairie de Paris (Kovarik/AFP). Diaporama : remerciements à Anna et Manuel Bidermanas

Willy Ronis, l'intransigeance d'un photographe humaniste

de Armelle Canitrot, publié dans La croix du 19/08/2009. Chaque jour,
« La Croix » rencontre des personnalités qui ont vécu les bouleversements du XXe siècle. Aujourd'hui, Willy Ronis, presque centenaire, qui ne cesse de se battre contre l'injustice et pour la dignité, et s'émerveille toujours d'émouvoir ses contemporains, toutes générations confondues

«Dès mes premières Rencontres d'Arles, j'ai senti que j'étais tombé dans une sacrée marmite. J'y ai vécu des moments fantastiques, notamment le jour où Eugene Smith nous a parlé de son reportage sur la pollution au mercure à Minamata, au Japon. Tout le monde était en larmes. Il remuait alors ciel et terre pour dénoncer ce scandale. » Assis à la terrasse d'un café sur la place du Forum à Arles, malgré la fatigue due à un emploi du temps de ministre, Willy Ronis, élégant et charmant monsieur de 99 ans, se remémore les nombreuses années durant lesquelles il fut un aficionado des Rencontres d'Arles. Invité d'honneur du festival qui fête ses 40 ans cette année, Ronis expose aujourd'hui à la chapelle Sainte-Anne 80 photographies retraçant son engagement sans faille au service de l'homme et de l'humanisme (1). Sa traversée du siècle révèle ainsi les joies de ses semblables - enfants de Ménilmontant, amoureux, guinguettes, cirque, fêtes foraines -, leurs peines aussi : le dur labeur, les grèves, la silicose. Ses bonheurs plus intimes avec sa femme Marie-Anne (le célèbre Nu provençal, 1949) et son fils, immortalisé dans Vincent aéromodéliste (1952). Né en août 1910 à Paris, Willy Ronis, qui a connu les hippomobiles et les allumeurs de réverbères, se souvient encore de sa mère ouvrant les rideaux un matin d'août 1914 en s'écriant : « C'est effrayant ! C'est la guerre ! » Enfant souffreteux, il commença tard l'école, sachant lire après tous les autres. « Petit garçon juif, fils d'un père né en 1875 à Odessa, émigré à Paris en 1906, et d'une mère d'origine lituanienne, je ne me sentais pas à ma place durant les cours sur Charlemagne, Clovis et la chrétienté... » Son père, auquel il voue un amour immense, tient une boutique de photographe boulevard Voltaire, et s'épuise toutes les nuits à faire des retouches pour un studio huppé. Sa mère, avec laquelle il ne s'entend pas, est professeur de piano et lui transmet la passion de la musique. Willy se rêve violoniste. Le destin en décide autrement. Son père, atteint d'un cancer et ruiné par la crise économique, lui demande de reprendre le studio. « Je suis entré dans la photographie, précipité par les événements. » Ainsi, dès 1932, Willy se consacre aux portraits de bébés et de mariés jusqu'à la mort de son père, en juin 1936. Il abandonne alors la boutique aux créanciers et, avec son appareil 6 ×9 cm, se lance dans le reportage, stimulé par l'enthousiasme des luttes sociales du Front populaire. Bientôt la guerre contraint Ronis à traverser clandestinement la ligne de démarcation. Il se retrouve à Nice dans une troupe de théâtre ambulant avec des amis de la bande à Prévert. En octobre 1944, il retrouve Paris, où la presse illustrée, assoiffée d'images, lui permettra de vivre de son art : « C'est le moment où je me suis senti le plus en accord avec moi-même, le plus heureux de faire de la photographie. » L'après-guerre, la liberté retrouvée, la reconstruction, la nécessité aussi de croire à nouveau en l'homme après l'effroyable de la déportation : Willy, plus que jamais, tourne son objectif bienveillant vers ses semblables. Inscrit au Parti communiste, il gardera sa carte jusqu'en 1965, tout comme sa femme Marie-Anne, artiste peintre. « Je n'ai jamais été un militant. Ce n'était pas mon truc. Mes camarades ouvriers qui n'avaient pas fait d'études avaient une connaissance aiguë des problèmes sociaux et politiques, ce qui me complexait. J'avais le cœur, mais je n'avais pas la tête », explique aujourd'hui celui qui se décrit modestement comme « doté d'une intelligence moyenne, enrichie par une sensibilité très au-dessus de la moyenne » : « Je vis ma vérité à moi. Ce sont les choses artistiques qui m'exaltent le plus, la musique en premier. » Ou la peinture, surtout Bruegel, dont les scènes populaires ne cessèrent de l'inspirer. Son engagement, Willy Ronis le vit à travers les reportages sociaux, qui « soulageaient un peu (sa) mauvaise conscience ». À la fin des années 1960, en pleine guerre froide, son travail ne tarde pas à intéresser le magazine américain Life, qui lui propose de le publier aux États-Unis. « C'était le pactole, mais quand j'ai su que je n'aurais aucun contrôle sur les légendes, j'ai refusé. Je ne voulais pas qu'on fasse dire à mes images le contraire de ce que j'avais voulu ou cru y mettre. » Cette rigueur lui fait aussi quitter l'agence Rapho. « J'ai pris des positions tranchées... » L'artiste paiera très cher ses convictions. Face à ses difficultés professionnelles - liées aussi à l'émergence d'une nouvelle génération de photographes -, il quitte Paris en 1972, à 60 ans, pour Gordes, puis L'Isle-sur-la-Sorgue, dans le Vaucluse. Il garde un excellent souvenir de ses années d'enseignement à l'université d'Aix-en-Provence. Sa traversée du désert dure jusqu'en 1980, où il est l'invité d'honneur des Rencontres d'Arles et publie son livre Sur le fil du hasard (Éd. Contrejour). En 1983, la santé de sa femme (elle décédera en 1991) contraint le couple à revenir à Paris. Marqué par la mort de Vincent dans un accident de deltaplane, Ronis décide à 84 ans de faire son premier saut en parachute, sans omettre d'immortaliser la scène avec son Minox. Aujourd'hui, Willy Ronis reste en prise sur l'actualité. « Avant, le chômage était provisoire. Maintenant, cela peut être à perpète. Je suis révolté. Depuis mon enfance, je maudis le capitalisme. La crise actuelle prouve une fois de plus qu'il n'y a pas de solution viable dans ce cadre-là. J'admire les gens profondément impliqués dans la vie sociale même si cela leur coûte cher. Je suis persuadé que la condition humaine vivra des jours beaucoup plus heureux. Je suis un peu pessimiste pour le moyen terme, mais très optimiste pour le long terme. » Il ne fait plus de photos depuis que deux cannes l'empêchent de se déplacer librement, mais vit à travers celles qu'il a réalisées, et qu'il sélectionne pour des livres et des expositions - comme celle de l'hôtel de ville de Paris, visitée en 2005 par 500 000 personnes. « Avec trois dialyses par semaine, ma qualité de vie a sacrément dégringolé. Enfin, à 99 ans, il ne faut pas être exigeant, je sais bien que je fais du rab et cela me fait plaisir. J'ai ma tête, mes enthousiasmes, mes dégoûts. Je n'ai pas changé à l'intérieur, mais je me sens bridé par l'âge », explique ce quasi-centenaire qui se déclare « athée plus encore qu'agnostique ». Durant notre conversation, Willy Ronis se sera plusieurs fois plié avec gentillesse au rituel de l'autographe, signant notamment, à la demande d'un jeune photographe aussi ému qu'intimidé, un exemplaire original de Belleville-Ménilmontant, paru en 1954 avec un texte de Pierre Mac Orlan. « Dans toutes les activités de création, on doute parfois. Mais de temps en temps on a le plaisir de constater qu'on a ému des gens. Cette émotion-là soulage, soutient et revigore. Je me sens fier et responsable. À 99 ans, émouvoir des adolescents, c'est un miracle. »

CANITROT Armelle (1) Exposition hors les murs présentée par le Jeu de paume aux Rencontres d'Arles (Bouches-du-Rhône) jusqu'au 13 septembre.www.rencontres-arles.comDemain : Jean Anglade.

Zmâla, photographes en collectifs

""Zmâla est une revue indépendante consacrée à la production des collectifs de photographes, en France et dans le monde. Le foisonnement des structures est tel que nous avons entrepris de réunir une partie de cette grande famille, de cette Zmâla – 26 collectifs rassemblant plus de 200 photographes dans plus de 15 pays –, afin de donner une plus grande visibilité aux collectifs émergents et de défendre ceux dont la notoriété est déjà établie. Un rôle de passeur qui nous tient à cœur.""

S’organiser est plus que jamais nécessaire. Les photographes des collectifs le savent mieux que quiconque, eux qui chaque jour cherchent des stratégies de résistance pour continuer à exercer leur passion malgré un contexte économique difficile (comme le souligne la mise en redressement judiciaire de l’agence Gamma). Structures à géométrie variable – association, coopérative, société –, les collectifs permettent aux photographes d’être indépendants sans être seuls. Véritables laboratoires de la photographie contemporaine, en France comme dans de nombreux pays, ils explorent de nouvelles voies.

Parce que la curiosité est le plus beau des défauts, les photographes risquent leur vie et leurs finances à courir le monde à la recherche d’histoires à voir, à vivre et à raconter. Des histoires en images à publier dans les journaux ou sur le Web. Des photos à accrocher aux murs ou à projeter sur les écrans. Des photos à partager pour s’interroger et questionner le monde.

Avec In Public, aux États-Unis, vous revisiterez la Street Photography sous la plume avisée de Gilles Mora. Avec Sha-dô, au Japon, vous cheminerez entre poésie et reportage. Avec Est & Ost, vous explorerez le travail d’Andrei Pandele sur la Roumanie d’avant la chute du Mur.

Vous découvrirez aussi des reportages à Rio, à Madagascar et en Inde, des portraits en Afrique, des paysages au Pérou… Des retours sur des lieux déjà photographiés à Bucarest ou en Lorraine, véritables droits de suite qui permettent de voir et de comprendre. À chaque fois, il s’agit de véritables engagements photographiques, comme ce travail sur les militants du Réseau éducation sans frontières, en France. Parce que la résistance est plus que jamais d’actualité.

Collectifs présentés : En France : Argos, Dolce Vita, item, Le bar Floréal, Le Carton, Libre Arbitre, Myop, Odessa, Riva Press, Signatures, Tendance Floue, Temps Machine, Transit. À l'étranger : Active Stills (Israël), Documentography (Angleterre), Est&Ost (Hongrie et France), In-Public (États-Unis, Angleterre, Inde), Kameraphoto (Portugal), N+3 (Québec), ParisBerlin>Fotogroup (Allemagne et France), Ruido (Espagne), Sha-dô (Japon), Stigmat Photo (Québec), Sub (Argentine), Supay Fotos (Pérou), Terra Project (Italie).

Prix 19 € 160 pages couleurs, format 20 x 27 cm bilingue français-anglais, publication annuelle L’équipe Directrice de publication > Céline Pévrier Rédacteur en chef > Éric Karsenty Directeur artistique > Nicolas Pruvost Iconographes > Isabelle Tirant Secrétariat de rédaction > Carole Coen et Éric Karsenty Photographe > Guillaume Collanges Traductions anglais  français > Carole Coen Traductions français anglais > Sally Jukes

Contact zmalaphoto@gmail.com

Historique Zmâla doit son origine au mouvement des collectifs de photographes et à Visa pour l’image qui, depuis 2003, les accueille avec bienveillance au sein de son festival. La réunion des collectifs à Perpignan a donné lieu à la publication d’un catalogue annuel qui s’est transformé en revue en 2008 (avec le soutien de Canon). Cette dernière donne aujourd’hui naissance à Zmâla, grâce à la création de Photographie & Compagnie.

Photographie & Compagnie est une maison d’édition indépendante dont l’objet est de promouvoir la photographie sous toutes ses formes. Zmâla est sa première réalisation. Photographieetcompagnie@gmail.com

Diffusion Le comptoir des indépendants

Publié avec le concours de la région Ile-de-France

Zmâla a été imprimée sur les presses de l’imprimerie Edips, à Quétigny

Au cœur des drames de la RD-Congo

Visa pour l’image, Festival international du photojournalisme

Dominic Nahr/Œil public

Voie sans issue - République Démocratique du Congo (RDC)
Nominé pour le Visa d'or News

de Armelle Canitrot, publié dans La croix du 03/09/09/

«Même dans les pires situations on est étonné par la bonté des gens, explique Dominic Nahr. Le pire, c'est le sentiment d'impuissance. Sur le moment, en photographiant le massacre à Kiwanja, j'avais l'impression d'être un véritable vautour. Mais j'ai la conviction profonde que de telles atrocités doivent être enregistrées. Rétrospectivement je pense que j'aurais dû faire encore plus. » Son admiration pour les grands reporters de la guerre du Vietnam n'est sans doute pas pour rien dans la décision de ce photographe suisse de 26 ans, élevé à Hong Kong, de partir subitement à l'automne 2008 couvrir le conflit entre les rebelles du CNDP et les troupes gouvernementales de la République démocratique du Congo.

« Je me sens très concerné dès lors qu'il s'agit de témoigner et d'enregistrer des faits historiques, dit-il. En tant que journalistes, nous avons la chance de pouvoir transmettre notre compréhension et notre vision de ce que les gens considéreront un jour comme l'histoire. » Le plus difficile, pour ce photographe qui vivait sa première expérience africaine, a été de devoir suivre à la fois l'évolution du conflit sur le terrain, les atrocités commises et les mouvements des milliers de réfugiés, sans avoir le temps de traiter un sujet plus en profondeur. Ses images intenses montrent, d'une part, les combats entre les soldats gouvernementaux et les rebelles, parmi lesquels on voit aussi le chef Laurent Nkunda, danser après un meeting et, d'autre part, leurs conséquences sur une population prise en tenaille entre les deux factions : l'exode et les conditions de vie des déplacés dans les camps, les familles pleurant leurs morts, les enfants atteints de choléra soignés par Médecins sans frontières... Un temps photographe pour le South China Morning Post, puis pour l'AFP au Timor, Dominic Nahr est aujourd'hui installé au Kenya pour pouvoir mieux suivre la situation en RDC. Lauréat 2009 du prix Leica Oskar-Barnack, il est représenté par la galerie O'Born Contemporary à Toronto et a rejoint le collectif français Œil public dont « l'émulation me permet de progresser dans mon travail et de publier mes reportages dans la presse internationale ».

Le monde lunaire de Sarah Moon

de Armelle Canitrot, publié dans La croix du 15/11/08

Alors que se tient à Paris le mois de la photo, rencontre avec la photographe des «femmes-Cacharel», discrète sur sa vie et intarissable sur l'image.

Dans le parc où tombent les feuilles d'automne, des enfants jouent à chat perché. Plus loin, deux jeunes élégantes chuchotent sur un banc. Venue à la rencontre du visiteur, la chatte Haïku reprend vite sa place dans le fauteuil du salon où flotte un parfum de tubéreuses. Une visite à Sarah Moon dans sa jolie maison du14e arrondissement de Paris est comme un voyage dans le temps. Une plongée dans ses images, tant son univers est proche de celui de ses photographies. Une impression renforcée par la semi-obscurité qui, petit à petit, s'installe et baigne d'un sépia incertain cet entretien de fin d'après midi. Impression renforcée aussi par ce ton rauque et monocorde qui accompagne habituellement en voix off les histoires de femmes improbables racontées par Sarah Moon dans ses contes extraordinaires. Yeux bleus, boucles courtes des années 1920, vêtue avec l'élégance de tissus nobles et discrets, voici la photographe de mode au nom lunaire qui façonna, des années durant, l'image de la femme Cacharel, solitaire, rêveuse et nostalgique.
« Cela ne fait pas trop imposant, pas trop «final», pas trop mausolée ? » Discrète et modeste de nature, Sarah Moon s'inquiète devant le magnifique coffret de carton gris réunissant les cinq cahiers de sa monographie publiée par son mari, l'éditeur Robert Delpire. Paradoxalement, il existe très peu de livres d'elle. Sarah Moon 1-2-3-4-5 comble donc un manque et rend justice à son œuvre protéiforme : 1, les photographies et textes des premières années ; 2, les années 1990-2000 ; 3, les photographies des courts métrages de contes ; 4, la mode en couleur ; 5, pour le film Mississippi One (1990) et son DVD de 95 minutes. Un livre-objet conçu comme le montage d'un film qui raconterait une histoire, celle de Sarah Moon, devenue artiste « en faisant la photographe de mode ».
Elle est mannequin lorsqu'elle passe de l'autre côté de l'appareil photo pour rendre service à une collègue qui a besoin de portraits pour son book. Nous sommes à la fin des années 1960. Ses clichés emballent le magazine Glamour et précipitent la fin de sa brève carrière de modèle. « J'étais trop petite et bien trop timide pour ce métier sophistiqué. » Profitant des conseils des photographes qu'elle a connus mannequin, et bénéficiant d'une curiosité amusée de la part d'un milieu où les femmes photographes sont rarissimes, Sarah Moon développe très vite un univers personnel. « J'ai eu la chance d'être au bon endroit au bon moment. Mes photographies étaient différentes des autres. Les mannequins étaient mes copines, avec elles j'étais dans la complicité et non dans la séduction. La mode était un tremplin pour sauter dans une fiction. Le modèle était l'héroïne d'un film que je ne ferais pas, l'héroïne d'un millième de seconde que je chargeais de toute une histoire. C'était l'occasion d'une narration. Je voulais que ma photographie raconte quelque chose de cette femme, pas seulement de la mode », explique aujourd'hui l'artiste qui se dit toujours aussi fascinée par l'imaginaire déployé alors par le précurseur Guy Bourdin, dans ses publicités pour les chaussures Jourdan notamment.
En 1968, en feuilletant un magazine féminin, l'éditeur Robert Delpire découvre une étrange image dans laquelle des fleurs sortent d'un plancher. Son assistante réussit à en retrouver l'auteur. « Sarah a apporté son dossier, raconte-t il, et nous avons commencé à travailler ensemble pour Cacharel. Elle a le don de s'approprier les sujets. Quand je suis aux côtés d'un photographe comme mon ami Josef Koudelka, je comprends ce qu'il photographie. Avec Sarah, je me demande toujours pourquoi elle se penche sur ceci ou sur cela. Je ne le découvre qu'avec le résultat. J'adore cette révélation de quelque chose qui ne m'était pas venu dans l'œil. »
Habitée par le passé, Sarah Moon trouve dans la photographie une excellente alliée pour ranimer les atmosphères crépusculaires de ses souvenirs. Ses images, qui évoquent parfois celles de Pabst ou de Dreyer, transforment la réalité en puisant aux sources d'une enfance toujours vivante chez cette artiste née dans une famille d'origine juive, d'un père à la double nationalité franco-américaine et d'une mère française aux origines germano-algériennes. Les traces laissées par les accidents de la pellicule Polaroïd, les lumières sourdes et mélancoliques du sépia, les couleurs profondes et veloutées plongent ses personnages dans un monde à part où dominent l'incertitude, la solitude et l'attente. Pris dans une sorte d'empathie, le spectateur oublie que ce sont des photos de mode tant celles-ci donnent à chacun l'illusion de pénétrer dans un album de famille. « Je n'ai rien contre la nostalgie. La photographie m'intéresse pour son rapport au temps, cette allusion constante à la perte, à la mémoire, à la mort. La photographie m'échappe autant qu'elle me saisit. Il y a une part d'inconscient que je ne cherche pas à analyser. » La mode est ainsi pour Sarah Moon une « échappée belle », un prétexte pour se relier à une autre réalité, moins noire, et pour réinventer le monde. « Sa photographie la représente profondément. Charmante, délicate et généreuse, Sarah y raconte la vie de ses sentiments », confie son ami le peintre Jacques Monory.
Aujourd'hui, le monde de la mode n'est plus du tout le même. « Il est difficile pour les jeunes photographes d'affirmer un ton personnel dans ce langage de plus en plus codé, où il faut être toujours plus sexy », déplore-t-elle. Quand on avait auparavant une journée pour réaliser une photo, il faut aujourd'hui fournir huit pages dans le même temps. Il n'y a plus de place pour la recherche, seule la performance compte.
« Avoir 20 ans maintenant doit être terriblement dur, l'économie, le chômage, la pauvreté. La solidarité est plus que jamais nécessaire. On fait ce que l'on peut, mais on n'arrive pas vraiment «à faire avec», on se sent toujours mal, en deçà de ce qu'il faudrait être. » Le doute qui ne cesse de torturer l'artiste taraude aussi la femme généreuse dont le cœur résolument à gauche souffre pour tous les laissés-pour-compte de la crise actuelle.
Si Sarah Moon travaille toujours pour la mode (Rykiel, Miyake, Lacroix, Comme des garçons...), elle est aussi depuis 1985 investie dans un travail fascinant sur le conte. Après Circuss, L'Effraie, Le Fil rouge ou La Sirène d'Auderville, inspirés d'Andersen ou de Perrault, elle s'attaque aujourd'hui au Chaperon noir. Ses courts métrages venus d'ailleurs ne ressemblent à rien d'autre, et tricotent, avec une créativité très personnelle et très ludique, photographies argentiques et numériques, film super-huit, vidéo, animation, voix off et autres bricolages. Comme beaucoup d'autres adeptes du Polaroïd, Sarah Moon se résigne à la disparition annoncée de cette pellicule qu'elle a su si bien détourner pour bâtir son monde.
« Cela m'obligera à trouver des solutions. J'adore l'ordinateur qui me permet de bricoler. J'ai la chance d'être née entre Méliès et Bill Gates, je profite donc des deux. Finalement l'économie de moyens développe l'imagination. » N'ayant pas la possibilité de s'offrir la neige, pour le dernier plan de Circuss, elle décide donc de filmer au ralenti des grains de sel tombant devant une photo collée derrière la vitre d'un aquarium. Ses Quatre contes viennent d'être intégrés au programme de l'éducation nationale par le Centre national de documentation pédagogique (2). « Je suis heureuse de redonner à mon tour. J'ai tellement reçu moi-même dans mes rencontres avec une musique, un livre, un tableau. »
Photographe et cinéaste - Sarah Moon jongle actuellement entre la fin de son exposition à Londres et son accrochage à la galerie Camera Obscura à Paris (3), tout en terminant le mixage d'un documentaire sur Robert Delpire pour fêter ses 50 ans d'activité, l'an prochain, à la Maison européenne de la photographie et aux Rencontres d'Arles. « Quand on est passionné par son métier, ce qui manque le plus c'est le temps. Plus ça va, plus on élimine, pour être au plus près. Le travail créatif est très exigeant, c'est toujours un dépassement.
La photographie est une quête, lancinante, sans répit,
qui requiert énergie, confiance en soi, rigueur, et qui renvoie toujours à soi-même et à sa propre incapacité.

Armelle Canitrot

(1) Éditions Robert Delpire, 486 p., 120 €, www.delpire.fr(2) Quatre Contes, de Sarah Moon, Éditions Scérén-CNDP, DVD 85 mn + livret d'accompagnement pédagogique de 16 pages, 19 €, www.sceren.com(3) Galerie Camera obscura, jusqu'au 6 décembre, 268, boulevard Raspail, 75014 Paris. Rens. : 01.45.45.67.08, www.galeriecameraobscura.fr

Still nox, Première monographie de la photographe et vidéaste Manuela Marquès

Par Michelle Debat, maître de conférence à l’UFR Arts de Paris VIII
www.lacritique.org septembre 2008

Il n’est pas assez courant dans la profusion étourdissante d’ouvrages monographiques, de rencontrer sobriété et respect d’une œuvre déjà affirmée et toujours en élaboration, sensible et discrète. L’ouvrage relate en effet dans une maquette sobre et respectueuse le travail de plus d’une dizaine d’années de la photographe aux images souvent « sans titre » et aux séries non thématiques à moins que plus justement – comme le souligne Christiane Vollaire dans son subtil texte argumenté, entre autre, autour d’une analyse philosophique empreinte ici à la question de la fonction narrative chez J.-F. Lyotard dans La condition postmoderne (1979) – il ne soit pas question pour Manuela Marquès d’étirer une thématique mais au contraire de trouver « une cohérence dans ce qui ne fait pas série ». Et il est un fait, que c’est à un choix d’objets, de natures-mortes, d’intérieurs dans la pénombre ou de profil à contre jour, mais aussi de pan de tissus, de chaises vides, d’animaux ou de branchages que la photographe convie notre regard troublé devant cette « étrange familiarité », cette si proche et si énigmatique qualité des lieux et des choses que seule l’absence d’un sujet retiré de l’instant permet d’appréhender. L’œuvre de Manuela Marqués est cette sorte de « leçon de ténèbres (qui) procède comme une suite de progressives intersignifications-désintensifications de la lumière et de l’ombre… œuvre conçue pour signifier ce qu’elle ne montre pas. » (Ch. Vollaire) Il aura fallu ainsi à l’éditeur et au maquettiste une infime sensibilité pour pouvoir mettre face à face, une perruque baignée par la lumière du soleil et le buste aux points serrés d’un personnage aussi présent dans son intemporalité, que s’il était bien en pied devant nous. Tant d’autres vis-à-vis aussi forts et justes égrainent cet ouvrage simple et élégant, tel cet oreiller juste froissé et ce tapis de pommes de terre dont le camaïeu d’ocres scelle cette fois-ci le sens non narratif mais ouvre à cet « inconscient esthétique » qui affirme ce travail photographique comme « forme acérée de l’indétermination »

Prix Mark Grosset 2008

Attribué à deux lauréats :

Elisabeth SCHNEIDER
dans la catégorie photojournaliste, pour son sujet Acceptation.
Elle est présentée par l'EMI CFD(Paris)

Romain CARREAU
dans la catégorie photo plasticienne, pour son sujet Vol de nuit.

Il est présenté par l'ETPA (Toulouse)
Le jury était composé de: Françoise Denoyelle (historienne de la photographie, chargée de l’enseignement photographique à l’ENS Louis Lumière), Daphné Anglès (directrice photo du New York Times), Cyrille Drouhet (directeur photo du Figaro Magazine), Guy Bourreau (président des Promenades Photographiques), Alain Mingam (directeur artistique de L’Oeil en Seyne), Mina Rouhaba (Libération ), Adeline Canerre (FRAM), Franck Portelance (Fujifilm) et Laurent Abadjian (Télérama). Le Prix est doté de deux voyages offerts par FRAM, d’un boîtier Fuji numérique Finepix S100 FS et d’une exposition pour l’édition 2009 des Promenades

Richard Avedon, l’art du portrait par l’épure

de Armelle Canitrot, publié dans La croix du 04/08/08


«Il est enfin permis au public français de découvrir l’œuvre magistrale de Richard Avedon (1923-2004), l’un des plus grands, sinon le plus grand portraitiste de la seconde moitié du XXe siècle. Après Milan, le Jeu de Paume à Paris accueille cette formidable rétrospective qui n’avait jamais pu voir le jour du vivant de ce photographe exigeant qui orchestrait lui-même ses scénographies. L’ordre chronologique, retenu pour présenter cette œuvre épurée, permet de mesurer toutes les révolutions opérées par l’artiste.

Chargé de photographier la haute couture parisienne pour Harper’s Bazaar dès la fin des années 1940, Avedon bouscule d’abord les codes rigides de l’image de mode. Il dégage la verrière du studio parisien du magazine pour profiter de la lumière naturelle. Surtout, il fait descendre les mannequins dans la rue, comme Martin Munkacsi (1896-1963) qu’il admire. Et il invente des mises en scène qui plongent ses modèles dans le mouvement et dans une véritable histoire.

Suzy Parker, en robe bustier de Lanvin-Castillo, s’y encanaille dans une gargote de la rive gauche, ou s’élance vêtue d’un manteau de Dior et en patins à roulettes place de la Concorde tandis que, gainée dans une robe du soir, la fluide Dovima piétine la paille du Cirque d’Hiver au milieu des éléphants (1955). Un portraitiste de génie

C’est surtout le portrait qu’Avedon va réinventer et sublimer. Invité en 1976 à suivre la campagne présidentielle américaine pour le magazine Rolling Stone, il dresse le portrait de soixante-treize personnalités qui « comptent » – gouverneurs, sénateurs, banquiers, chefs d’entreprise… – en laissant chacun se présenter dans la pose de son choix, pour éviter l’écueil du « portrait idéologique ».

Cette série au titre provocateur, The Family, 1970-1980, se présente comme un bloc de portraits où, côte à côte, ces personnalités rigides semblent serrer les dents et les coudes pour éviter toute intrusion extérieure au cercle du pouvoir.

« J’ai posé une série de ‘‘non’’ : non aux jolies lumières, non aux compositions trop apparentes, non à la séduction des personnes ou à la narration, expliquait Avedon. Une séance de pose est un échange d’émotions. L’image surgit de la rencontre de ces deux émotions. » Le courant est visiblement passé entre l’artiste et ses modèles d’In the American West (1980-1985), série magistrale de cent vingt-quatre portraits grandeur nature, fruits d’une commande sur l’Ouest américain passée par l’Amon Carter Museum. "Explorer les continents inconnus du visage humain"

Ouvriers agricoles, travailleurs des puits de pétrole, serveuses de bar, forains, prisonniers, SDF…, on chercherait en vain les propriétaires de ranch ou les magnats du pétrole parmi ces visages qui semèrent la consternation chez ceux qui pensaient y trouver le trombinoscope des gagnants de l’american way of life.

Fond blanc, lumière neutre, prise de vue frontale, absence d’accessoires pour ne pas perturber la lecture, ces « portraits-manifestes » d’une formidable dignité ont été sélectionnés parmi les 752 images prises par Avedon en sillonnant, cinq années durant, dix-sept États de l’Ouest. « Le fond blanc isole le sujet par rapport à lui-même et à son environnement ; il permet d’explorer la géographie du visage, les continents inconnus du visage humain », commentait-il en 1985.

Hirsutes, barbouillés, épuisés, posant souvent deux par deux dans une accolade fraternelle, ses bouleversants portraits de mineurs de charbon, pris dans le Colorado et le Wyoming, permettent de mesurer la sensibilité du photographe. Tout comme cette série de clichés pudiques de son père, dont le visage saisi entre effroi et résignation révèle petit à petit les stigmates de la maladie qui le ronge. Un artiste engagé

Mais l’on doit aussi à Avedon de nombreux et inoubliables portraits de personnalités, tels ceux de Jean Genet, Marilyn Monroe, Samuel Beckett, Karen Blixen ou encore du très torturé Francis Bacon, doublé de lui-même dans un diptyque abrupt. Ce n’est pas un hasard si tel ancien gouverneur de l’Alabama dispute l’espace à son valet noir relégué à la limite du hors champ, ou si le visage poignant d’un ancien esclave est, lui, saisi en très gros plan.

Avedon couvrit aussi le mouvement des droits civils (1963), photographia la lutte des opposants à la guerre du Vietnam (1969), les victimes des bombardements au napalm (1971), ou encore pour la revue L’Égoïste, la chute du mur de Berlin en 1989.

Absents de l’exposition, ces travaux de reportage témoignent de ses engagements, tout comme la fresque monumentale dans laquelle il mit en scène les artistes et intellectuels de la Factory d’Andy Warhol, véritable manifeste politique et esthétique à la gloire de ce haut lieu de la contestation des années 60 et 70. Après avoir travaillé pour Vogue de 1966 à 1990, Avedon signe en 1995 une œuvre cinglante en couleur dans laquelle il tire sa révérence au monde de la mode et à ses vanités. À découvrir, cet été, aux Rencontres d’Arles.

Shoji Ueda & Jacques Henri Lartigue

Shoji Ueda (1913 - 2000) est né et à vécu à Sakaïminato (Japon). Jacques Henri Lartigue est né à Courbevoie en 1894 et s'est éteint à Nice en 1986. Ils ne se sont jamais rencontrés, mais ils avaient le même talent pour transformer leur quotidien en un petit théâtre de la fantaisie et de la joie de vivre. Shoji Ueda confiait, lors d'un entretien donné en 1994 : "Lartigue a été mon maitre absolu. Il était si curieux de tout... Ses photos traduisent parfaitement son âme. J'aurais voulu que toutes mes photos ressemblent aux siennes."

Mirage d'Europe

Elisabeth Cosimi

Les îles de la méditerranée constituent une barrière de plus en plus difficile à franchir pour ceux qui décident de fuir leur pays ravagé par la guerre, la faim ou la misère. Pour certains l’exil commence en barque, tandis que d’autres sont partis de chez eux depuis quelques années. Ils ont traversé des frontières, se sont retrouvés sans argent, perdus ou morts. La mer est le dernier obstacle à franchir avant l’Europe. Les migrants, qui passent finalement la porte, traversent incognito le mirage de la terre des droits de l’homme. Lampedusa, Palerme, Malte, les îles grecques de la mer Egée ou Chypre sont devenus des «territoires d’attente» où en matière d’immigration, nos gouvernements expérimentent et pratiquent l’enfermement systématique,de nature physique ou psychologique à travers l’existence de camps toujours de plus en plus nombreux. A travers ce reportage photographique Elisabeth Cosimi témoigne des conditions d’existence quotidiennes de ces “brûleurs de frontières” retenus sur les îles de la méditerranée
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photos souvenirs?

de Armelle Canitrot, publié dans La croix du 08/03/08


«Tant de choses dans une si petite paire de chaussures... C'est dans ces chaussures qu'à trois ans et demi mes pieds m'ont portée vers Paris afin d'échapper au conflit commençant en Bosnie, mon pays natal. Et c'est dans cette paire de chaussures que je vois ce que j'ai évité, mais aussi ce que j'ai manqué. Il y a deux ans, j'ai compris ce qu'est mon pays, ma ville, j'ai pu voir tout le merveilleux de Sarajevo. Aujourd'hui, avec mes yeux de jeune adulte de 18 ans, je sais que je suis faite pour y vivre. » Comme plus de cent autres de ses compatriotes, Déa fait partie de ces parisiens d'adoption anciens habitants de Sarajevo qui ont confié leur plus cher souvenir à l'objectif du photographe Milomir Kovacevic. Ma poupée, La Bonbonnière, Tito, La Robe, Valise, Boîte gigogne de ma grand-mère, mais encore rose en bouton rescapée du jardin de famille, moulin à café hérité d'un père, portrait d'un grand-père, icône de saint Michel Archange, photo d'école, carte de transport étudiant..., plus de cent objets sont ainsi photographiés sur un fond neutre, accompagnés des propos de tous ces exilés de Sarajevo. Rassemblés dans un livre et une exposition, ces photographies dressent l'intime et émouvant portrait d'une ville et de ses anciens habitants. Milomir Kovacevic, qui couvrit le conflit yougoslave avant de se réfugier à Paris en 1995, rêve d'exposer tous ces souvenirs à Sarajevo.

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Exils

Michel Séméniako, photographies
Louise L. Lambrichs, textes
Rencontre avec Michel Séméniako le jeudi 10 janvier à 19 heures

"Un jour, en 2000, je découvre dans la presse l’image spectrale et verdâtre d’un groupe de clandestins, elle me bouleverse. Cette image d’humains, traqués comme des bêtes sauvages par des caméras thermiques, exprimait la violence dominatrice des puissants, dotés d’une technologie sophistiquée, sur les misérables fuyant guerre et pauvreté. En utilisant un film infrarouge, je détourne cette technique « froide » de surveillance. J’en inverse le processus : la chaleur ne dessine plus une cible, mais exprime l’aura des corps vivants, leur énergie pour survivre"

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Petites cosmogonies

Patrick Bailly-Maître-Grand
éditions MARDAGA3

304 pages
Patrick Bailly-Maître-Grand travaille la photographie à partir de procédés entre chimie et optique : daguerréotypes, rayogrammes, monotypes directs, solarisation, virages, strobophotographies, etc. Il procède à des mises en scène et à des montages qui font de chaque photographie une oeuvre d’art unique

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Je me souviens de la Bourgogne des années 50 à 70

Pierre Bonte et Marc Combier
éditions Ouest-France

Un album de 144 pages. Textes de Pierre Bonte d’après ses souvenirs et ses enquêtes et 150 photographies issues du Fonds Combier au Musée Niépce de Chalon-sur-Saône Format 21 x 24 cm prix 20 €
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Le Pavillon Baltard,

des Halles de Paris à
Nogent-sur-Marne

Jean-Claude Gautrand
Éditions IDELLE

144 pages
90 photographies
Cet ouvrage retrace l’histoire, en trois volets photographiques, de la démolition des Halles à la reconstruction à Nogent-sur-Marne de l’unique bâtiment sauvegardé et donne à redécouvrir l’architecture métallique du 19ème siècle à travers les photographies de Jean-Claude Gautrand

Made in Sarcelles,
belle comme le monde

Xavier Zimbardo
Images En Manoeuvres Éditions

204 pages
170 photographies

Souffrant d’une image négative, la ville de Sarcelles est en réalité bien différente de ce qu’en « disent » les médias.

À travers des photographies sensibles et pleines de vitalité, Xavier Zimbardo cherche à donner de Sarcelles une vision d’auteur certes subjective, mais qui permet de renvoyer, à tous ceux qui s’en font une idée fausse, un reflet d’une vie commune plus conforme à la réalité.

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La Ruche

Daniel Lebée,Pierre Le Coz
Editions Nicolas Chaudin

126 pages, 60 photographies

Daniel Lebée commence à photographier La Ruche dès 1985 où 20 ans plus tard, il installera son atelier. Sa collaboration avec Pierre Le Coz nous en restitue l'impérissable bohème

Crise de la presse ou
du photojournalisme ?

de Magali Jauffret, publié dans L'Humanité du 11/09/07

Un des thème du colloque proposé cette année dans le cadre de la 19 ème édition de « Visa pour l’image » qui a attiré un public nombreux et attentif et que je porte à votre appréciation.

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1^ère édition du Prix Mark Grosset

Ce prix crée par le festival Promenades photographiques de Vendôme est un prix des écoles photographiques en mémoire de celui qui fut directeur d’ Icar photo avant de disparaître prématurément. Il sera attribué chaque année à un lauréat d'une des écoles photographiques. Chaque école qui souhaite participer propose un candidat et un jury réunit à Paris début juin désigne le vainqueur. Toutes les écoles photographiques peuvent concourir. Le Prix Mark Grosset a été remis le 16 juin 2007 à Michael Hauri, un jeune étudiant Suisse de l’école de Hanovre en Allemagne dans le cadre des rencontres photographiques de Vendôme. Le festival a bon espoir d'obtenir l'année prochaine deux dotations, l'une pour le photojournalisme et l'autre pour la photographie plasticienne.